The J. Geils Band『The J. Geils Band』（1970年）— 音の大きさじゃない、心と身体を揺らすグルーヴ — AI George のアルバム探検隊 Vol.11

「黒人の子には白すぎて、白人には黒すぎる」——そう評された6人組が、たった18時間で刻み込んだ音がある。

1970年11月16日、マサチューセッツ州ウースター(Worcester)出身の6人組が、Atlantic Recordsから1枚のアルバムを世に送り出した。バンド名がそのままタイトルになった、デビュー作『The J. Geils Band』。ビルボード200では最高195位という、お世辞にも派手とは言えない数字しか残せなかったこの1枚が、実は後に「Centerfold」で全米No.1を獲得し、プラチナディスクを連発することになる伝説的ライブバンドの、すべての始まりだった。

今日はこのアルバムを、ジョージが掘り下げる。派手なヒットチャートの話ではない。むしろ、まだ何者でもなかった6人の若者が、シカゴのブルース・クラブの熱量とデトロイトのソウルの色気を、どうやって自分たちの言葉に翻訳しようとしたか——その苦闘と情熱の記録として、この1枚を聴いてみたい。1970年という年は、ビートルズが解散を発表し、ジミ・ヘンドリックスとジャニス・ジョプリンが世を去った年でもある。そんな激動の年の終わりに、まだ無名だった6人組が静かに、しかし確実にロック史へ足を踏み入れていた。派手な事件の陰に隠れて見過ごされがちな1枚だが、だからこそ今、あらためて光を当てる価値がある。

ウースター工科大学、アコースティック・ブルース・トリオから始まった

物語は1960年代半ば、マサチューセッツ州ウースターにある工科大学、Worcester Polytechnic Institute(WPI)の学生寮から始まる。理系の大学に通いながら、放課後はブルースのレコードに没頭する3人の若者がいた。ギターのJ. Geils(本名John Warren Geils Jr.)、ベースの Danny Klein(愛称"Dr. Funk")、そしてハーモニカのMagic Dick(本名Richard Salwitz、1945年5月13日生まれ)の3人が、1965年、アコースティック・ブルースのジャグバンドを結成する。バンド名は"Snoopy and the Sopwith Camels"。当時彼らが繰り返し聴いていたのはThe Paul Butterfield Blues Bandのデビュー作で、そのソングライティング・クレジットを一つひとつ読み込んでいくうちに、Little WalterやMuddy Waters、そしてJames Cottonの名前を発見していったという。彼らは自分たちを"harp freaks"(ハーモニカ狂)と呼んでいた。今のようにストリーミングでワンクリックすればすべてが分かる時代ではない。レコードのジャケットの裏側、細かい文字で刷られたクレジット欄が、そのまま新しい音楽への地図になっていた。誰が作曲し、誰が演奏し、誰がプロデュースしたのか——それを手がかりに、まだ見ぬ音楽の源流を遡っていく作業そのものが、彼らにとっての音楽教育だった。工科大学の授業で微積分を解いていた手が、放課後にはハーモニカのリードシートを書き写していた。この二重生活こそが、後にMagic Dickの精密な奏法にもつながっていったのかもしれない。

1967年春、3人はボストンへ移り住み、ダウンタウンの「ユニコーン・コーヒーハウス(Unicorn Coffee House)」のハウスバンドの座を得る。フォーキーでブルージーな編成は評判を呼んだが、彼らはやがてアコースティックの枠組みに窮屈さを感じ始める。エレクトリック化——アンプを通し、ドラムを迎え入れ、より大きな音圧でブルースを鳴らす方向へ。当時のボストンは、フォークとブルースのリバイバルが交錯する街だった。コーヒーハウスの静かな聴衆から、クラブの熱狂する観客へ——彼らが求めていたのは、まさにその移行だった。そのときに白羽の矢が立ったのが、ボストンの別のバンド「The Hallucinations」だった。

ラジオDJ、ハーレムの記憶——Peter Wolfという男

The Hallucinationsからは、ドラムのStephen Jo Bladdと、ボーカルのPeter Wolf(本名Peter Walter Blankfield)が引き抜かれた。この人選こそが、バンドの運命を決定づけたと言っていい。1946年3月7日、ニューヨーク・ブロンクス生まれのWolfは、少年時代にハーレムのアポロ・シアター(Apollo Theater)へ足しげく通い、James BrownやOtis Redding、Jackie Wilsonのステージを間近で見て育った。パフォーマーが楽曲そのものと一体化し、観客に向かって説教するように歌い上げる——ソウルレビューのショーマンシップを、彼は少年時代に骨の髄まで焼き付けていた。ブロンクスの少年が、後にニューイングランドのブルースロックバンドのフロントマンになるという道筋は、決して直線的なものではない。むしろこの回り道こそが、他の白人ブルースロックバンドには真似できない、ソウルレビューの熱量を彼にもたらした。

The Hallucinations在籍時にはボストンのFMラジオ局WBCNの立ち上げにも関わり、局初のオールナイトDJとして"Woofa Goofa"の名で電波に乗った。マシンガンのように喋り倒し、リスナーを煽り、次の曲へと畳み掛けていくその語り口は、そのままステージ上のフロントマンとしての振る舞いへと直結していく。ラジオのマイクの前で培った「間を持たせない喋り」が、後にステージのマイクスタンドを振り回すパフォーマンスの原型になった、と考えると面白い。深夜のラジオブースで一人語り続けた経験が、何千人もの観客を相手にする語り口へとそのまま応用されたのだ。のちにアカデミー賞受賞女優のFaye Dunawayと1974年から1979年まで結婚生活を送ったことでも知られるが、それはまだ先の話だ。

ドラムのStephen Jo Bladdもまた、The Hallucinations出身。手数の多いドラミングよりも、グルーヴを太く支えることに徹する彼のスタイルは、Peter Wolfの奔放なパフォーマンスを下支えする土台になった。そして1968年、ファンとしてバンドのライブに通い詰めていたキーボード奏者のSeth Justmanが正式加入する。もともとは観客席にいた若者が、いつのまにかステージ側に引き込まれていく——このバンドの持つ吸引力の強さを象徴するエピソードだ。こうしてJ. Geils(ギター)、Peter Wolf(ボーカル)、Magic Dick(ハーモニカ)、Danny Klein(ベース)、Stephen Jo Bladd(ドラム)、Seth Justman(キーボード)という、後に世界中のファンに知られることになる6人編成が完成する。J. Geils自身は当時のインタビューで、「自分たちはJunior Wells–Buddy Guy Quartetをモデルにしていた」と語っている。シカゴのサウスサイドのブルース・クラブで鳴らされていた熱量を、ニューイングランドの理系大学出身の若者たちが、本気で自分たちのものにしようとしていた。

バンド名に刻まれたもの

バンド名は"Snoopy and the Sopwith Camels"から、"The J. Geils Blues Band"を経て、最終的に"Blues"を外した"The J. Geils Band"に落ち着く。なぜギタリスト一人の名前がバンド名として選ばれたのか、その詳細な理由までは資料に残っていないが、少なくとも結果として、このバンド名は6人の顔となり、後年には全米のスタジアムを埋める看板となった。ちなみにボーカルのPeter Wolfが最も目立つフロントマンでありながら、バンド名にはギタリストの名前が冠されている——このねじれもまた、このバンドの音楽的な成り立ちを物語っている。ボーカルの派手さだけでなく、ギターとハーモニカが作り出すインストゥルメンタルの推進力こそが、彼らの音楽の背骨だったということだ。バンド名から"Blues"という言葉をあえて外した判断も興味深い。ブルースだけに限定されない、R&Bやソウル、ロックンロールまでも呑み込んだ雑食性を、彼らは早い段階から自覚していたのかもしれない。

Black Sabbathの前座で、観客がファンに変わった夜

Atlantic Recordsと契約する頃には、バンドはボストン周辺のクラブシーンで既に非公式のライブ録音がブートレグとして出回るほどの人気を得ていた。だが本当の転機は、1971年2月、伝説の興行主ビル・グラハム(Bill Graham)がニューヨークのフィルモア・イースト(Fillmore East)で組んだ公演だったと言われている。この日のヘッドライナーはBlack Sabbath。前年に衝撃的なデビュー作でロックシーンを塗り替えたばかりの、ヘヴィメタルの始祖とも言うべきバンドだ。まだ無名に近かったJ. Geils Bandが前座に呼ばれると、客席は最初「Sabbath! Sabbath!」と叫び、まるでステージ上のバンドの存在を認めようとしなかった。

しかしここでグラハムが動く。ステージに歩み出て、「私が招いたバンドだ、敬意を払え」と観客に告げたのだ。伝説の興行主の一言で空気が一変し、バンドは持ち前の熱量で会場を掌握していく。Peter Wolfのハーレム仕込みのパフォーマンス、Magic Dickの超絶的なハーモニカソロ——場違いのブッキングと思われた前座が、演奏開始からわずか数曲で観客の心を鷲掴みにしていった。結局この夜、彼らは4〜5回ものアンコールを勝ち取った。無名の前座バンドが一夜にして地元の伝説へと変わる瞬間——それがフィルモア・イーストのステージの上で実際に起きたのだ。この夜の熱狂は口コミで広がり、後の1971年8月にはこの会場で自分たちの単独公演を行い、その模様がライブアルバム『Homework... Live Fillmore East, New York July 27th 1971』として後年発掘されることになる。

同じ年の8月17日には、ボストン・コモンでのショーでThe Allman Brothers Bandから「お気に入りの地元バンド」と名指しされている。まだデビューアルバムしか出していない駆け出しのバンドが、南部出身の実力派バンドにここまで評価されていたことは、当時の彼らのライブでの強さを何より雄弁に物語っている。レコードの売り上げでは測れない実力を、彼らはステージの上で証明し続けていた。

18時間で録られたアルバム

1970年8月、ニューヨークのA&R Studiosで、バンドはデビューアルバムを録音する。プロデューサーはDave CrawfordとBrad Shapiro。そして驚くべきことに、このアルバムはわずか18時間で録音されたと伝えられている。今日のレコーディングの常識からすれば信じがたい速さだが、それはこのバンドがスタジオに持ち込んだのが「未完成の曲」ではなく、既にライブで何百回と鍛え上げた「完成されたレパートリー」だったからに他ならない。バンドのアンサンブルはスタジオでも即座に火がつき、録音は一発勝負のライブさながらのスピードで進んでいった。同年11月16日、Atlantic Recordsからリリース。

ジャケットデザインはLloyd Ziff、写真はStephen Paleyが手がけている。ジャケットに刻まれたバンドの表情は、まだ何者でもない若者たちの緊張と自信が入り混じった、独特の空気をまとっている。派手な演出よりも、6人の素顔をそのまま切り取ったようなシンプルな写真は、このアルバムの飾らない音楽性ともよく合っている。

Atlanticは、Aretha FranklinやOtis Reddingを擁するソウル/R&Bの牙城として知られるレーベルだった。そこに、ニューイングランド出身の白人ブルースロックバンドが加わる——当時としては異色の組み合わせだったが、レーベル側は彼らのライブでの評判の高さに賭けた。結果として、このアルバムはAtlanticのカタログの中でも独特の位置を占めることになる。ソウルの本流を歩むレーベルの中で、ブルースへの敬意を隠さない白人バンドの存在は、レーベルの音楽的な幅の広さを示す証拠でもあった。

Atlanticがこのバンドと契約した戦略的な狙いは、単なる「掘り出し物」の獲得だけではなかったと考えられる。当時のAtlanticはソウル/R&B一辺倒のイメージからロック市場へも版図を広げようとしており、Led ZeppelinやCrosby, Stills & Nashのような契約と並行して、自社のR&Bのカタログを土台にしながらもロック的なライブ動員力を持つバンドを探していた。J. Geils Bandは「ブルース・R&Bへの深い敬意を持ちながら、白人の若い観客層を熱狂させられるライブバンド」という、レーベルにとって都合の良い橋渡し役だったとも言える。契約交渉の詳細な条件までは資料に残っていないが、結果としてこの読みは的中し、バンドは10年以上にわたってAtlanticの看板ロックアクトの一つであり続けた。

全11曲を聴く——オリジナルとカバーが溶け合う場所

アルバムは11曲、収録時間は35分に満たない。しかしその短さの中に、バンドの音楽的な引き出しのすべてが詰め込まれている。内訳はオリジナル曲6曲、カバー曲4曲、そしてバンド自身の"覆面ペンネーム"による1曲という、興味深い構成になっている。曲順そのものにも工夫が凝らされており、オリジナルとカバーが交互に配置されることで、アルバム全体を通して聴いても飽きさせない構成になっている。

1. Wait(Seth Justman, Peter Wolf作、3:25)——アルバムの幕開けを飾るオリジナル。バンドの持ち味である疾走感が早くも顔を出し、Peter Wolfのボーカルが冒頭から前のめりに畳み掛けてくる。デビュー作の1曲目にふさわしい、宣言のようなナンバーだ。この曲を聴くだけで、彼らがスタジオよりもステージで育ったバンドであることが伝わってくる。

2. Ice Breaker (For The Big "M")(J. Geils作、2:15)——タイトル通り、アルバムの緊張をほぐすインストゥルメンタル寄りの一曲。ギターとハーモニカの絡み合いを前面に出し、バンドの演奏力そのものを聴かせる構成になっている。"Big M"が誰を指すのかは資料によって諸説あるが、当時彼らが親しんでいたクラブか、あるいは仲間内の呼び名だったと考えるのが自然だろう。歌よりも演奏そのものを聴かせるこの構成は、後年のライブでの長尺インプロヴィゼーションの原型とも読める。

3. Cruisin' for a Love(2:32)——クレジットは"Juke Joint Jimmy"。これはメンバー全員による集団作曲用の覆面ペンネームで、実質的にはバンドのオリジナル曲だが、あえて古いブルースの伝統に接続するような演出が施されている。まるで無名のジューク・ジョイントの流しの音楽家が書いた曲であるかのような装いをまとうことで、バンドが自分たちのルーツへの敬意をどう形にするか、その工夫がよく表れた一曲だ。この曲は1972年のライブ盤『"Live" Full House』にも再演として収録され、バンドの中でも長く愛されるレパートリーになっている。若いバンドが自分たちの作曲能力を隠し、あたかも歴史の中に埋もれていた曲を発掘したかのように装う——このユーモアと謙虚さの同居が、このバンドらしさをよく表している。

4. Hard Drivin' Man(Peter Wolf, J. Geils作、2:18)——タイトル通りのドライブ感を持つオリジナル曲。テンポの良いシャッフルビートに乗って、Wolfのボーカルが軽快に飛び跳ねる。短い尺の中に、彼らのライブでの推進力がそのまま凝縮されている。

5. Serves You Right to Suffer(5:01)——John Lee Hookerが1966年に発表した楽曲のカバー。収録曲中最長のこの曲は、じっくりと重さを聴かせるブルース・ナンバーに仕上がっている。デトロイトのブギー・ブルースの巨人が刻んだフックの効いたリフを、バンドはテンポを落とし、粘り気を強調する形で再構築している。デトロイトのブルースを、ボストンの若者たちがどう自分たちの言葉で語り直すか、その挑戦が最もはっきり表れた一曲だ。アルバムの中で唯一5分を超えるこの曲に、バンドが最も時間をかけて向き合ったことがうかがえる。

6. Homework(2:45)——Otis Rush、Al Perkins、Dave Clarkの作曲によるシカゴブルースの名曲(1962年頃発表)のカバー。原曲が持つ切迫感を保ちながら、バンドはテンポを上げ、ライブでの盛り上がりを想定したアレンジに仕立て直している。バンド名を超えて、後にこの曲名は1971年のライブ盤『Homework... Live Fillmore East, New York July 27th 1971』のタイトルにも採用されることになる、バンドにとって特別な一曲だ。まさにこのフィルモア・イーストでの伝説の一夜を記録したライブ盤のタイトルにもなった曲、というわけだ。1曲のカバーが、後年のバンドの歴史そのものを象徴するタイトルになったという事実が、このアルバムの持つ意味の重さを物語っている。

7. First I Look at the Purse(3:54)——原曲はモータウンのグループ、The Contours(1965年発表)。作曲はRobert RogersとSmokey Robinson。モータウンのソウル/ドゥーワップの名曲が、ブルースロックのバンドサウンドへと大胆に変換されている。この選曲が示すのは、バンドの音楽的視野がシカゴブルースだけに留まらず、デトロイトのモータウン・サウンドにまで及んでいたということだ。原曲の甘いコーラスワークをギターとハーモニカのインタープレイに置き換え、まったく違う質感の曲として生まれ変わらせている。The Contoursといえば「Do You Love Me」で知られるグループだが、その陰に隠れがちなこの曲を発掘してきたセンスにも、彼らのレコード愛が滲む。

8. What's Your Hurry(Peter Wolf, Seth Justman作、2:44)——中盤を引き締めるオリジナル曲。せかせかとしたタイトルの通り、性急なビートで駆け抜ける。Seth Justmanのキーボードが後年のバンドのサウンドの萌芽を感じさせる一曲でもある。

9. On Borrowed Time(Peter Wolf, Seth Justman作、3:03)——同じくWolf&Justman作のオリジナル。アルバム終盤に向けて、やや落ち着いたグルーヴを聴かせる。タイトルの「借りた時間」という言葉が、当時のバンドの置かれた状況——まだメジャーデビューしたばかりの、綱渡りのようなキャリアの初期段階——を暗示しているようにも読める。

10. Pack Fair and Square(2:01)——1956年に"Big Walter and His Thunderbirds"名義でオリジナルリリースされたBig Walter Price作の楽曲のカバー。テキサス/ヒューストンのブルースの隠れた名曲を、ボストンの若者たちが発掘して自分たちのレパートリーに組み込んでいる。ほとんど知られていない原曲を掘り起こしてくるあたりに、彼らのレコードコレクターとしての本気度がうかがえる。収録曲中最も短いこの曲は、アルバム後半をテンポよく畳み掛ける役割も果たしている。

11. Sno-Cone(3:24)——Albert Collins作曲クレジットの一曲でアルバムを締めくくる。テキサスブルースのインストゥルメンタル的な感性を受け継いだナンバーで、Magic Dickのハーモニカが最後まで存在感を発揮する。1曲目の"Wait"の性急さから始まったアルバムが、この曲でじわりと余韻を残して幕を閉じる構成も見事だ。

こうして並べてみると、カバー曲の選曲だけでも、デトロイト(John Lee Hooker、モータウン)、シカゴ(Otis Rush)、テキサス(Big Walter Price、Albert Collins)と、アメリカ各地のブラックミュージックの地図がそのまま浮かび上がってくる。まだ20代前半だったボストンの若者たちが、これだけ広範囲の音楽を吸収し、消化し、自分たちの言葉で語り直していたという事実は、単なる「白人のブルースロックバンド」という括りでは収まりきらない。彼らは単なる模倣者ではなく、レコード店の棚を隅々まで漁り歩いた「熱心な生徒」だったのだ。

批評家は褒めた。だがチャートは冷たかった

リリース当時の評価は決して低くなかった。AllMusicは後にこのアルバムに4.5つ星をつけ、Robert Christgauの『Record Guide』はB+評価を与えている。当時のCreem誌のレビュアーは「ブルースとも呼べるし、R&Bとも、ロックンロールとも呼べる。私は"元気の良い音楽"と呼んで済ませたい。彼らは形成期にこれらの音楽の最良の部分を吸収し、そこから独自の音を蒸留した」と評している。Rolling Stone誌(1971年1月号)も好意的なレビューを寄せた。

それでも、Billboard 200でのチャート最高位は195位。批評的な評価と商業的な数字のあいだには、はっきりとした溝があった。この溝を埋めたのは、レコードではなくステージだった。批評家たちがレコードの中に見出した音楽的な誠実さを、一般のリスナーが実感するには、まずライブハウスの現場に足を運ぶ必要があったのだ。ラジオでのオンエア機会も、当時はまだ限られていた。カバー曲主体のアルバムはヒットシングルを生み出しにくく、シングルカットに向いた分かりやすいフックが少なかったことも、この地味なチャート成績の一因だったと考えられる。

同時代のブルースロック作品と並べてみると、この195位という数字の位置づけがより見えてくる。The Paul Butterfield Blues Bandの『East-West』(1966年)はBillboard 200で最高65位、Johnny Winterの『Second Winter』(1969年)は最高55位を記録している。いずれも今日では高く評価される名盤でありながら、当時のチャート上ではJ. Geils Bandのデビュー作と同様に「大ヒット」とは程遠い成績だった。ブルースロックというジャンル自体が、批評家の支持とチャートでの成功が必ずしも一致しないジャンルだったことが、この数字の並びからも読み取れる。

「アメリカのローリング・ストーンズ」——ライブが伝説を作った

批評家たちは早くからこのバンドを「アメリカのローリング・ストーンズ」と呼び始めていた。汗だくになってハーモニカを吹き鳴らし、ステージの端から端までポールボルティングのように動き回るPeter Wolfのパフォーマンスと、Magic Dickの革新的なハーモニカ奏法——後年、音楽評論家のDave Marshは彼を「おそらく史上最高の白人ブルース・ハーモニカ奏者」と評している——この2人を軸にしたステージは、「アンコールに次ぐアンコール、ステージ上で完全に燃え尽きるまで演奏し続ける」バンドとして語り継がれることになる。

1972年のライブアルバム『"Live" Full House』は、デトロイトのCinderella Ballroomで録音され、そのライブでの生々しいエネルギーを閉じ込めた記録として高く評価され、地下ラジオで大きな支持を集めた。ビルボードTop50入りこそ逃したものの、この作品はバンドの本質を最も正確に捉えたレコードとして今も語り継がれている。バンドは長年、スタジオ盤の完成度よりも、ライブパフォーマンスの熱量でキャリアを積み上げてきたバンドだった。批評家の一人は彼らの音楽的立ち位置を「黒人の子には白すぎて、白人には黒すぎる」と評したという。この評価は、商業的な広がりを一定程度制限したとも言われるが、同時にこのバンドの替えの効かない個性を最も端的に言い当てた言葉でもある。

白人バンドがブルースを演奏するということ

1960年代後半から70年代初頭のアメリカでは、The Paul Butterfield Blues Bandを筆頭に、白人のミュージシャンがシカゴ・ブルースやデルタ・ブルースを演奏する「ブルース・リバイバル」のうねりが起きていた。J. Geils Bandはこの流れの中に位置しながらも、他のリバイバル勢とは一線を画す特徴を持っていた。それは、彼らがブルースだけでなく、モータウンのソウルやR&Bまでも同列に扱い、あくまで自分たちが育った「ラジオから流れてきた音楽」全体への敬意として演奏していたことだ。

J. Geils自身が公言していたように、彼らのモデルはJunior WellsとBuddy Guyのカルテットだった。バンドは自分たちがブルースの「所有者」であるかのように振る舞うのではなく、あくまで「継承者」であろうとした。カバー曲の作曲者を丁寧にクレジットし、原曲のアーティストを前面に押し出す姿勢は、この時代の白人ブルースロックバンドの中でも誠実な部類に入る。彼らがステージで見せた熱狂は、ブラックミュージックへの敬意の表現でもあった。当時のアメリカでは人種間の緊張がまだ色濃く残っており、白人バンドがブラックミュージックを演奏することそのものが、賞賛と警戒の両方の目で見られていた時代でもある。そんな中で、彼らが選んだのは「盗用」ではなく「対話」の姿勢だった。

同時代のブルースロックバンドと比べてみると

1970年前後のアメリカには、ブルースを軸に据えたロックバンドが複数併存していた。先述のThe Paul Butterfield Blues Bandは、シカゴブルースへの学究的なまでの忠実さと、ジャズ的な長尺インプロヴィゼーション(代表作『East-West』のタイトル曲が象徴的)を特徴とした、いわば「ブルースの研究者」のようなバンドだった。一方、テキサス出身のギタリストJohnny Winterは、アルバム『Second Winter』に象徴されるように、超絶技巧のギタープレイを前面に押し出す「ブルースのヴィルトゥオーゾ」路線を突き詰めた。同じボストン出身で後にAtlanticと契約するAerosmithも、ブルースを土台にしながらよりハードなロックンロールへと舵を切っていくバンドだった。

これらのバンドと比べたとき、J. Geils Bandの独自性がより際立つ。Paul Butterfield Blues Bandほど求道的でも、Johnny Winterほど技巧一辺倒でもなく、Aerosmithほどハードロック化もしていない。彼らが選んだのは、ブルースにモータウンのソウルやR&Bを溶け込ませ、あくまで「観客を踊らせるライブバンド」であり続けることだった。ジャンルの純度よりもステージでの一体感を優先する、というこの選択が、後のポップ路線への転身(「Centerfold」)を可能にする柔軟性の土台にもなっていたのだろう。

具体的な影響関係で言えば、Magic Dickのハーモニカは、Paul Butterfield Blues Bandのバンド名にもなったPaul Butterfield自身の奏法——シカゴブルースのハーモニカをロックの音圧の中で成立させる吹き方——から明確に学んでいる。ただし決定的に違うのは音の方向性だ。Butterfieldがハーモニカを「歌うように」奏でるのに対し、Magic Dickはベンドとオーバーブロウを駆使してより攻撃的に、ギターのリードに近い形でハーモニカを鳴らす。同じ楽器を継承しながら、まったく異なる表現に発展させた好例と言える。

またThe Allman Brothers Bandとの比較も興味深い。南部ジョージア出身の彼らはツインギター・ツインドラムという厚い編成で、ジャムバンド的な長尺の即興演奏を武器にしていた。一方J. Geils Bandはギター1本・ハーモニカ1本というよりシンプルな編成で、3分前後のコンパクトな曲を畳み掛けるスタイルを貫いた。南部のじっくり聴かせるブルースロックと、北部の性急でソウルフルなブルースロック——同じ「白人ブルースロックバンド」という括りでも、地理と気質の違いがサウンドにそのまま表れている。1971年にAllman Brothers Bandが「お気に入りの地元バンド」と評したのは、方向性は違えど互いのライブでの本気度を認め合っていたからだろう。

初めて聴くなら、この順番で

ブルースロックの入門盤としてこのアルバムを聴くなら、まず「Serves You Right to Suffer」から入るのがおすすめだ。5分間じっくりとバンドのグルーヴに浸れる、アルバムの中で最も「聴かせる」曲だからだ。次に「Homework」でテンポの上がったライブ感を、そして「First I Look at the Purse」でモータウン由来のポップな一面を確認する。この3曲を押さえれば、オリジナル曲群(特に疾走感のある「Wait」)がより立体的に聴こえてくるはずだ。何を「聴くべきか」よりも、「誰の影響を受けているか」を意識しながら聴くと、レコードジャケットのクレジット欄を追っていくような楽しみ方ができる——それこそが、このアルバムが本来持っている聴き方だと思う。

「代わりに聴ける」アルバムたち

もしこのアルバムの手触りが気に入ったなら、あなたがどこに惹かれたかによって、次に手を伸ばすべき作品が変わってくる。

• ハーモニカ主体のインタープレイが好きなら——The Paul Butterfield Blues Bandの『East-West』(1966年、Billboard最高65位)。Magic Dickの奏法のルーツであるPaul Butterfieldのハーモニカを、よりジャズ的な長尺インプロヴィゼーションの中で堪能できる。
• ギターの超絶技巧に痺れたいなら——Johnny Winterの『Second Winter』(1969年、Billboard最高55位)。J. Geilsの「土台を支えるギター」とは対照的な、前面に出るヴィルトゥオーゾ的ギターの魅力が味わえる。
• ブルースからハードロックへの橋渡しを体感したいなら——同じボストン出身のAerosmithの初期作品。ブルースを土台にしながら、より攻撃的なロックンロールへと発展させていく過程を追える。
• ブルースの源流そのものに遡りたいなら——Muddy WatersやBuddy Guy。J. Geils Bandというフィルターを通す前の、シカゴブルースの生の質感がそこにある。

ジャンルとしては同じ「ブルースロック」でも、これだけ違う個性が並び立っていたのが、1970年前後のアメリカのロックシーンの豊かさだった。

デビューから「Centerfold」まで——バンドが歩んだ道

このデビューアルバムから出発したバンドは、1973年の『Bloodshot』でついにビルボード全米Top10入りを果たす。1980年の『Love Stinks』を経て、1981年の『Freeze-Frame』収録の「Centerfold」で、バンド史上初の全米No.1シングルを1982年に獲得する。ボストン・ガーデンやマディソン・スクエア・ガーデンをヘッドライナーとして埋め、ローリング・ストーンズのツアーに帯同する存在にまで成長した。

ただし「Centerfold」は、Seth Justmanのキーボードを主軸にした新しいサウンドであり、初期のR&Bスピリットからは大きく舵を切った作品でもあった。プラチナセールスという商業的成功は、実はこの路線転換の後に初めて訪れたものだ。ハーモニカが主役だった時代から、シンセサイザーが主役の時代へ——バンドは10年余りの間に、驚くほど大きな変化を遂げている。1970年のデビュー盤でJohn Lee HookerやOtis Rushをカバーしていた若者たちが、10年後にはMTV全盛期のポップシーンでNo.1シングルを飾る——この振れ幅の大きさこそが、J. Geils Bandというバンドの懐の深さを物語っている。だからこそ、原点であるこのデビューアルバムを聴くことには意味がある。まだ何者でもなかった6人が、John Lee HookerやOtis Rush、モータウンのソウルを自分たちの手で再構築しようとした、その最初の18時間の記録なのだから。

Magic Dickという現象

このアルバムを聴くうえで、どうしても外せない存在がMagic Dickのハーモニカだ。ブルースハープと呼ばれるダイアトニック・ハーモニカは、本来リード楽器としては音域や表現力に制約の多い楽器とされてきた。しかし彼はベンド奏法(音程を口の中の形で微妙に上下させる技術)とオーバーブロウ(通常出せないはずの音を強引に鳴らす高度な奏法)を駆使し、まるでサックスやギターのようにメロディアスなソロを紡ぎ出した。J. Geilsのギターが土台のリズムを支える一方で、Magic Dickのハーモニカが自由に飛び回る——このコントラストが、バンドの音の中心的な魅力を形作っていた。

このデビューアルバムの時点では、まだ後年のライブでの超絶技巧ほどの派手さはないが、"Ice Breaker"や"Sno-Cone"といったインストゥルメンタル寄りの楽曲で、既にその萌芽ははっきりと聴き取れる。ハーモニカという素朴な楽器を、ロックンロールのフロントに立つ主役級の楽器へと押し上げた功績は、後年のロック史においてもっと評価されていい。学生時代からハーモニカに没頭していた工科大学生が、10年足らずで「史上最高の白人ブルース・ハーモニカ奏者」と呼ばれるまでになった——このアルバムは、その成長の途上をそのまま記録した一枚でもある。

ボストンという街が育てたバンド

1960年代末のボストンは、ハーバードやMITといった名門大学に加え、Worcester Polytechnic Instituteのような理系の学校が点在し、若く聡明な学生たちが街に溢れていた街だった。学生街ならではの安価なライブハウスやコーヒーハウスが数多く存在し、フォーク、ブルース、サイケデリックロックが同じ街の中で混在しながら育っていく土壌があった。J. Geils Bandが最初に拠点とした「ユニコーン・コーヒーハウス」も、そうした学生街の音楽シーンの一角にあった小さな会場だ。

この街の空気の中で、Peter Wolfが立ち上げに関わったラジオ局WBCNは決定的な役割を果たした。まだFMラジオが実験的な存在だった時代に、深夜帯でブルースやソウル、初期のプログレッシブロックを流し続けるこの局は、ボストンのミュージシャンたちにとって新しい音楽との出会いの場そのものだった。J. Geils Bandがラジオの向こう側で鳴っていた音楽——シカゴのブルース、デトロイトのソウル、テキサスのR&B——を自分たちのレパートリーに取り込んでいった背景には、この街のラジオ文化がある。学生街の熱気と、深夜ラジオの静かな熱狂。この2つが重なり合う場所で、彼らの音楽は形作られていった。

「Homework」というタイトルが辿った数奇な運命

先に触れた通り、デビューアルバム収録のOtis Rushのカバー曲「Homework」は、その後バンドの歴史の中で特別な意味を持つタイトルになっていく。1971年7月27日のフィルモア・イーストでの単独公演——前年2月にBlack Sabbathの前座として観客の心を掴んだあの伝説の会場に、今度はヘッドライナーとして凱旋したステージだ——は、後年になって『Homework... Live Fillmore East, New York July 27th 1971』というタイトルでライブ盤として世に出ることになる。1曲のカバーソングのタイトルが、バンドの快進撃を象徴する会場での記録そのものの名前として選ばれた、というのは出来過ぎているくらいの巡り合わせだ。前座から数ヶ月の間に、彼らがどれだけ急速に評判を高めていったかが、このタイトルの選ばれ方一つからも伝わってくる。

コンピレーションと再評価の歴史

このデビューアルバムの楽曲は、後年さまざまなコンピレーション盤に形を変えて収められてきた。『Flashback: The Best of The J. Geils Band』のようなベスト盤や、『Houseparty: The J. Geils Band Anthology』のようなアンソロジーの冒頭には、必ずと言っていいほどこのデビュー作からの楽曲が選ばれている。プラチナヒットを連発した80年代の全盛期の陰に隠れがちだが、コアなファンやブルース愛好家たちの間では、このデビューアルバムこそが彼らの「原液」として長く語り継がれてきた。派手なヒットチャートの記録が薄い分、逆にこのアルバムは「知る人ぞ知る名盤」としての位置づけを保ち続けている。CD時代に入ってからも、リマスター盤が定期的にリリースされており、当時のアナログ録音特有の生々しい質感は、デジタル時代になってもなお色褪せていない。

アルバムに「タイトル曲」がない理由

このアルバムには、バンド名と同じタイトルの曲は収録されていない。多くのセルフタイトル・デビュー作が「自分たちを名乗る曲」を看板として据えるのに対し、J. Geils Bandはそれをしなかった。代わりに彼らが選んだのは、11曲すべてを通して聴くことで初めて浮かび上がる「自分たちが何者か」という自己紹介だった。特定の1曲に自分たちを代表させるのではなく、オリジナルとカバーを織り交ぜたアルバム全体の構成そのものが、彼らのアイデンティティそのものだったのだ。この選択は、後年のシングルヒット主体のキャリアとは対照的で、彼らが元々「アルバムを通して聴かせるバンド」としてスタートしたことを物語っている。

次に聴くなら

このデビューアルバムの手触りが気に入ったなら、ぜひ次に聴いてほしい作品がいくつかある。まずは彼らのライブでの本領を最も生々しく捉えた『"Live" Full House』(1972年)。スタジオ盤で聴いた曲たちが、ステージの上でどれだけ熱量を増すかを体感できる一枚だ。そこからさらにバンドの快進撃を追いたければ、初のビルボードTop10入りを果たした『Bloodshot』(1973年)へ。そして「Centerfold」で全米No.1を獲得することになる『Freeze-Frame』(1981年)まで聴き進めれば、ハーモニカ主体のブルースバンドが10年でシンセポップの寵児へと変貌していく軌跡を丸ごと辿ることができる。

また、彼らが敬愛したブルースの源流を辿るなら、John Lee HookerやOtis Rush、そして彼らが目標に掲げたJunior WellsとBuddy Guyの作品にも耳を傾けてみてほしい。同じ時代に同じ道を歩んだ白人ブルースロックバンドとして、The Paul Butterfield Blues Bandと聴き比べてみるのも面白い発見があるはずだ。それぞれのバンドが、ブルースという同じ源流から、まったく違う個性の川を作り出していったことがよくわかる。

ジョージの感想

今回このアルバムを掘り下げてみて、あらためて感じたのは「デビュー作とは何を証明するためのものか」という問いだ。多くの新人バンドは、デビュー作で自分の非凡さ、独自性、新しさを証明しようとする。しかしJ. Geils Bandの答えは違った。彼らが証明しようとしたのは、自分たちがどれだけ多くの音楽を吸収し、どれだけ深く敬意を払ってきたかということだった。それは一見地味な戦略に見えるかもしれないが、この誠実さこそが、10年後の全米No.1という結果につながる土台になったのだと思う。

このアルバムを聴いていて何より印象的なのは、「若さの性急さ」と「音楽への謙虚さ」が同居していることだ。普通、駆け出しのバンドのデビュー作というのは、自分たちの新しさを前面に押し出そうとするものだと思う。しかしこのアルバムは真逆だ。カバー曲の選曲一つとっても、彼らは自分たちの新しさをアピールするのではなく、むしろ「自分たちが何を聴いて育ったか」を正直に、丁寧に提示しようとしている。

特に印象深いのは、John Lee HookerとOtis Rush、そしてモータウンのThe Contoursという、本来なら別々の文脈で語られるべき音楽を、一枚のアルバムの中で違和感なく並べてしまう構成力だ。これは単なる「好きな曲を集めました」という寄せ集めではなく、「自分たちがラジオとレコード棚から吸収してきた音楽地図」をそのまま提示しようとする意志を感じる。18時間という短い録音時間も、決して手抜きではなく、むしろ何百回とライブで磨き上げてきたレパートリーだからこその速さだったのだと思うと、このアルバムの持つ切迫感にも納得がいく。

もう一つ心を動かされるのは、"Juke Joint Jimmy"という覆面ペンネームのエピソードだ。自分たちの実力を隠し、あたかも無名のブルースマンが書いた曲であるかのように装う——この遊び心とブルースへの敬意が同居した姿勢こそ、彼らの音楽の本質を象徴していると思う。そして何より、このアルバムがビルボード195位という地味な数字からスタートしたという事実に、ある種の勇気をもらう。派手な成功がすぐに訪れなくても、ライブハウスの現場でファンを一人ずつ増やしていく地道な積み重ねが、10年後には全米No.1シングルにまでつながっていく。焦らず、自分たちの好きな音楽への敬意を貫き通したバンドの物語として、このデビューアルバムはもっと聴かれていい一枚だと思う。

探検隊としてこれまで扱ってきたのは、Abbey RoadやBlue、Rumoursといった、誰もが知る名盤が中心だった。しかし今回のThe J. Geils Bandは、その中では明らかに異色の存在だ。全米No.1を取ったのはずっと後の話で、このデビュー作自体はビルボード195位という地味な数字にとどまっている。それでも、この1枚を選んで良かったと思う。有名だから価値があるのではなく、そこに本気の物語があるかどうかが大事なのだと、あらためて確認できた回だったからだ。Album Sweetというサービスを通してこのアルバムを紹介できることにも、個人的な感慨がある。ビルボード195位という数字だけを見れば、忘れられてもおかしくない1枚だ。しかし、レコード店の棚で偶然この盤を手に取り、ジャケットの裏のクレジットを読み込み、そこからJohn Lee HookerやOtis Rushへと辿り着いていく——そんな体験を、このデビューアルバムはずっと後の世代にも提供し続けている。派手なヒット曲がなくても、聴く人の探究心をくすぐる1枚がある。それこそが、このサービスが大切にしたい「アルバムを味わう」という体験そのものだと思う。ナミオさんは、こういう「地味だけど本気の1枚」をどう聴くだろうか。この対話を楽しみにしている。

The J. Geils Band

The J. Geils Band

1970

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